Самопрезентация художника в социальных сетях: альтернатива, бегство или закономерное «расширение»

Групповое интервью для Алисы Лисовской.

События этого года, несколько последовавших друг за другом экономических кризисов в России и Европе показали нам, насколько нестабилен и зависим от внешних экономических и социальных условий современный арт-рынок и как он может просесть в особо сложные периоды. Многие государственные культурные учреждения, галереи и представители художественной среды испытали на себе шоковый эффект пандемии — остановка и трансформация планов, вынужденная регулировка потоков посетителей, срыв открытий выставок, многочисленные переносы вернисажей. Музеи оказались закрытыми несколько месяцев, пустовали только что открывшиеся выставочные залы. Галереи не проводили мероприятий, а мерч оставался на полках сувенирных магазинов.

В то же время карантинный период подарил представителям художественной среды возможность уделить больше времени творческим планам и погрузиться в процесс, переосмыслить свои проекты и пересмотреть в какой-то мере жизненные установки, а арт-предпридпримателям трансформировать проект под актуальные запросы аудитории и условия сегодняшних виртуальных реалий.

В то время как различные европейские и американские организации, направленные на поддержку культуры и искусства в странах, объявляют о грантах и опен-коллах, наборах на различные программы с финансовым спонсорством, российские художники выбирают собственные стратегии выживания на фоне кризиса и пандемии — от ухода в социальные сети до затишья или усиленной работы.

Мы воспользовались возможностью побеседовать с художниками реалистического направления и концептуального искусства и получили субъективное описание происходящего. Картина становится более полной благодаря участию разных поколений художников, с отличным друг от друга бэкграундом, опытом, художественной подготовкой и направлением работы. Основными темами для бесед с представителями художественной среды стало обсуждение проблемы присутствия художника в Интернете, вопросов успеха, признания и востребованности. Мы нашли несколько точек, в которых мнения опрошенных деятелей искусства сходятся и дополняют друг друга, но глобально тема виртуальной самопрезентации стала пунктом разногласий, так как сильно разнятся оценки бенефитов от пользования социальными сетями и другими онлайн-платформами молодым и старшим поколением.

Сегодня художник — тот же человек-медиа, который создает проекцию себя и своего творчества, показывает процесс работы, совершенствование стиля письма, делится задумками и постоянно держит контакт со своей аудиторией уникальным, постоянно обновляемым контентом. Художник уже может не отличаться от того же блогера с его особой тематикой, выстроенной на личном бренде.

Большинство художников активно используют сегодня социальные сети не только для личного пользования, но и профессионального представительства: для старшего поколения в предпочтении находится Фейсбук, у молодого — Инстаграм. Объясняется это распределение исторически просто: раньше пришедший в Россию Фейсбук завоевывал какое-то время аудиторию наравне с ВКонтакте, пользователи выстраивали сети контактов в том числе с зарубежными знакомыми художниками, галеристами, переводчиками, издателями и другими деятелями арт-среды. Позднее появился ориентированный на визуальность Инстаграм, который сегодня привлек молодое поколение художников.

Если посмотреть Фейсбук интервьюируемых художников — страницы Игоря Ларионова, Михаила Анфиногенова, Александра Ворохоб, и других, можно увидеть подготовленные по периодам альбомы с написанными картинами, видео с выставок и из галерей. То есть страница служила не только для личных целей, но и в качестве «витрины» — для профессиональных связей. Инстаграм же имеет такой смысл по умолчанию, он изначально нацелен по своему формату и дизайну на визуальную самопрезентацию: складывается очень удобный маршрут для заинтересовавшихся картинами художника — от логично выстроенной визуальной галереи пользователь переходит к конкретным полотнам и рассматривает подробней, изучая комментарии и подписи. Действительно, похоже больше на магазин или единообразную товарную раскладку.

Некоторые художники поколения facebook развивают дополнительно и youtube, если снимают видео про обучение, ведения мастер-классов, написания картин. У Михаила Анфиногенова канал набрал достаточно большое количество подписчиков — 18,8 тысяч, и плейлист включает видеообзоры по картинам учеников, образовательные ролики (композиция, этюд мастихином, техника живописи, как написать картину в определенном жанре и другие) и видео о процессе работы.

Впрочем, для формата социальных сетей есть и главная сложность в трансляции процесса творчества: «не все работы возможны для виртуального экспонирования», по мнению, Алишера Кушакова, и в принципе, «виртуальное присутствие не гарантирует никакого эффекта», — говорит он, имея в виду, что присутствие художника в социальных сетях и его активная самопрезентация не равноценны качеству, популярности и успеху.

Кстати, о признании, успехе и связанных с ними продажах. По словам художника Дмитрия Артищева, если нет очереди или брони на картину, то выставленная в собравшем свою нишевую аудиторию инстаграм-аккаунте работа может уйти в течение 10 минут, а иногда картина продается по 3 месяца, при этом объем продаж онлайн через социальные сети может достигать 90 процентов. То есть онлайн-платформы могут потенциально стать заменой галерей и других выставочных пространств для современного художника, который корректно ведет свой аккаунт.

Однако мало кто из живописцев замахивается, к примеру, на создание собственного пространства с ежемесячным контентом для своих подписчиков на Патреоне, где есть возможность делиться с теми, кто финансово поддерживает художника, успехами в работе и сложностями в процессе творчества. Успешные керамисты Москвы, работающие как индивидуальные предприниматели, например, основательница мастерской и бренда авторской керамики «89 градусов», могут поделиться успешными историями выстраивания правильной связки аудитория — креатор: подписчикам высылается то pdf-журнал с рассказом и фотографиями о процессах создания изделий, то ограниченный тираж вещей для особо вовлеченных донаторов.

Очень актуальная тема для медиальности художника — это подача информации в аккаунте, создание атмосферы, трансляция своих ценностей и своего видения. Как отметили многие из интервьюируемых — наиболее востребованы искренность, честность, открытость к аудитории, желание делиться. Делиться размышлениями, рефлексиями на околотворческие темы, процессом создания и замыслами картин. Адель Левитова указывает на то, что в вирутальном пространстве важно конкретно для нее, чтобы была явлена личность художника, создана взаимосвязь человека и его искусства, тогда такая концепция становится привлекательной для следящих за творчеством живописца людей. «Мне кажется, на развитие аккаунта нужно работать, нужно быть честным, все–таки не рассматривать инстаграм как витрину какую-то, а быть искренним и выкладывать туда какие-то сокровенные вещи, это будет интересно», — поделилась Мария Янковская, которая разделяет присутствие художника в социальных сетях на два типа — хобби, когда от ведения аккаунта получается удовольствие и все делает сам художник, и на продюсерский проект, когда сразу видна неискренность, сухость подачи информации и несамостоятельно произведенный контент. Ожидаемо, что аудитория чувствует, что аккаунт ведется с душой, когда художник вкладывается и проецирует свою индивидуальность в онлайн-пространство.

Говоря о душевности и создании особых взаимоотношений с аудиторией: социальные сети со всеми перекрестными ссылками, сторис, упоминаниями и прочими взаимосвязями между членами сообществ, образовывающихся вокруг какого-либо аккаунта, завязанного на личности художника, иногда напоминают большую семью. Как остроумно заметил один из интервьюируемых: «Квартирники» никуда не делись, просто в наше время это называется «Инстаграм».

В свете стремительного в последние месяцы развития социальных сетей, активного процесса вирутальной самопрезентации, эффективного общения и обмена опытом, художники переосмысляют концепт успеха и признания. О них как о необязательных элементах творческого пути говорит Алишер Кушаков: «Стараться быть признанным — глупо. Это определяется историческим контекстом. Борис Гройс говорит, что проблема успеха это вообще не критерий. Не критерий ничего», и ему вторит Дмитрий Артищев: «Лучше быть непризнанным, чем потерять самого себя». Основная идея как мантра повторяется многими интервьюируюемыми — найти свой художественный почерк и сохранить себя, не оглядываться на других и не стараться быть кем-то еще, кажется, работает и в любой другой области, не только творческой.

На самом деле социальные площадки дают несколько бонусов тем активным представителям художественной среды, которые расценивают их как дополнительное топливо для их творческих экспериментов и самопрезентации.

Во-первых, по признанию московского художника-реалиста Михаила Анфиногенова, это возможность буквально подсмотреть, что происходит в мастерских других художников в разных частях света и чему-то научиться. Действительно, очень многие привлекают подписчиков тем, что как бы приглашают их за кулисы — показывают приемы в растушевке, наложении красок, анатомическом рисунке и т.д. Дмитрий Артищев поделился своим лайфхаком: «Стараюсь уделять как можно больше времени просмотру референсов, порядка тысячи в день это норма для меня. Пинтерест в этом смысле очень помогает. Живописцы интересно решают задачи, изобретают новые подходы, и все это вы можете наблюдать практический в реальном времени».

Во-вторых, Инстаграм, Пинтерест и Фейсбук помогают ориентироваться в ценообразовании и адекватно оценивать свои усилия по созданию личного бренда в онлайн-пространстве.

В-третьих, социальные сети оказываются альтернативой участию в галереях, как физически, так и онлайн. Как признается Мария Янковская, она «уже давно перестала нуждаться в их услугах», так как «в мастерской больше покупают, чем в галерее…». Кроме того, аккаунт в Инстаграм может стать настолько успешным, что фактически художник может напрямую быть связанным с покупателем и не пользоваться услугами арт-дилера/агента, как комментирует Мария: «это не я продаю картины, а картины продаются». Алишер Кушаков добавляет: «Виртуальная репрезентация для художника является способом… продавать свои работы без посредства галереи». Кстати, именно карантинные новые реалии и массовый переход в онлайн показали проблемы в деятельности галерей, по словам художников, «стало видно, что особенно крупные галереи неповоротливы», испытывают трудности в привлечении внимания посетителей и с нетерпением ждут выхода из кризиса.

В беседах с художниками очень четко проступила разница в понимании и восприятии медиальности разными поколениями художников. Заслуженные художники России (Михаил Анфиногенов, Валерий Блохин, Алексей Жигалин-Вишняков, Игорь Ларионов) отмечают, что онлайн-платформы не дают возможности покупателю «пощупать» картину, понять ее размеры, осознать нужный для картины свет и почувствовать цвет, текстуру. То есть крупные выставки, например, проходящие в ЦДХ, а ныне в Гостином Дворе, гораздо более эффективны, собирают бо́льшее количество посетителей и дают бо́льший финансовый выхлоп художникам. Для лучшего понимания, здесь стоит привести ответ Екатерины Деготь на вопрос репортера о выставке: «выставки — очень эфемерный жанр… главное — это ощущение пространства… кураторы создают нечто такое, о чем люди потом друг другу рассказывают», а в Интернете такое сарафанное радио и обсуждения имеют виральный и очень кратковременный характер. По словам Игоря Ларионова, выход в онлайн — «расширение, стирание границ, вспомогательный процесс для передачи информации, для сокращения дистанции и облегчения коммуникации», однако, процесс временный.

Возможно, что резкий переход в онлайн обострил проблему не сколько налаживания связей и коммуникации с аудиторией, но и обратил внимание на недостаточное понимание сложного языка современного искусства, который при посещении галереи лучше раскрывается посетителю, но не требует дополнительных изысканий для понимания или усилий для постижения кураторского мессаджа, как это происходит в онлайн-среде. В действительности, упомянув общую подготовку аудитории, стоит отметить, что все интервьюируемые посчитали нужным сказать о необходимости самообразования для понимания языка современного искусства. И в первую очередь, это важно для самого художника, который вне знания контекста истории искусства не может существовать.

Беседовала Лисовская Алиса

(AORTA_MAGAZINE: https://www.instagram.com/aorta_magazine/?igshid=xu2mls5bl01c)

Участники:

Михаил Анфиногенов (https://www.facebook.com/anfinogenov)

Игорь Ларионов (https://www.facebook.com/larionovigor)

Алексей Жигалин-Вишняков (https://www.facebook.com/alex.zhivi)

Валерий Блохин (http://blokhin-art.com/en/valery-blokhin/paintings/)

Александр Ворохоб (https://www.facebook.com/alexandr.vorokhob)

Дмитрий Артищев (https://www.instagram.com/artischev_dmitriy/)

Адель Левитова (https://www.instagram.com/adele.levitova/)

Алишер Кушаков (https://www.instagram.com/alisherik/)

Мария Янковская (http://mashayankovskaya.art/en)